Ihr habt euch schon immer gedacht, dass ihr das auch könnt, was weltbekannte Künstler:innen auf die Leinwände hauen? Dann ist „Sloppy Forgeries“ genau das Richtige für euch! In dem Indie-Spiel von Playful Systems LLC geht es darum, vorgegebene Motive möglichst gut zu fälschen. Dabei tritt man nicht nur gegen die Uhr, sondern auch gegen andere Spielende an. Mittels eines Algorithmus wird nach Ablauf der Zeit analysiert, wessen Nachmalung am meisten dem Original entspricht. Das Spiel soll im Laufe des Jahres auf Steam erscheinen, hier der offizielle Trailer.

Don’t miss the Gameplay Trailer for Sloppy Forgeries, a fast-paced competitive painting game developed by Playful Systems. Players will practice their skills by butchering iconic masterpieces in one of the few drawing games that measures accuracy pixel-by-pixel in real-time. Sloppy Forgeries is coming soon to PC (Steam).

Vor über elf Jahren hatte ich euch bereits von Mike Dargas berichtet. Damals hatte der deutsche Künstler noch vornehmlich Portraits gemalt, auf denen Honig über Frauengesichter gelaufen ist. Das Grundkonzept sowie der hyperrealistische Anstrich bleibt auch heute noch bestehen, aber statt des Bienenproduktes gibt es jetzt auch des Öfteren dick aufgetragene Farbe mit 3D-Effekt auf den Gesichtern der Motive zu sehen. Hier eine kleine Auswahl für euch, mehr gibt es auf der Website von Mike Dargas sowie auf dessen Instagramprofil zu finden.

https://www.instagram.com/mikedargas/p/C8c5NFzSv73/

Quelle: „Inspiration Grid“

Nach siebeneinhalb Jahren darf ich denke ich mal ein Update zur Arbeit von David Ambarzumjan bringen. Dessen tolle Pinselstrich-Idee ist noch immer kreativ und allgegenwärtig, wenn man das Portfolio des in Berlin ansässigen Künstlers betrachtet. „Brushstrokes in Time“ heißt die fortlaufende Reihe, die oftmals mit zeitlichen Gegensätzen spielt, wenn es Bildhintergrund sowie den vermeintlich drüber gewischten Pinsel-Einblick kombiniert gibt. Mittlerweile hat sich die Technik nochmals weiterentwickelt, so dass der Effekt noch plastischer wirkt. Wie ein echtes Portal, das einem einen Blick in eine andere Dimension preisgibt.

„His oil paintings in the series „Brushstrokes in Time“ are about juxtaposing what was, what is, and what may be, exploring our relationship with the nature of space and time.“ – [Artist Statement]

Weitere Gemälde dieser Art gibt es auf der Website von David Ambarzumjan sowie auf dessen Instagramprofil zu bestaunen.

Quelle: „Inspiration Grid“

In der aktuellen „WIN Compilation“ haben wir ein Video, in dem jemand aus einem alten Landschaftsgemälde „Jurassic Park“ zaubert, indem lauter Dinos und Zäune darauf gemalt werden. Dieser Jemand ist Tyler Nathan Turnbull und hat sich das Prinzip zum Hobby gemacht. „Downcycling“ nennt er es selbstironisch, wobei ich dieses Understatement nicht unterschreiben möchte. Dann seiner Kreativität und Verspieltheit werden belanglose Flohmarkt- und Gebrauchtwarenladenfunde zu modernen Kunstwerken. Hier ein paar Beispiele mit Making-of-Sequenzen, die zeigen, wie Charaktere aus „Bob’s Burgers“ oder „Friends“ Einzug in Billigmalwerke halten.

‚Downcycled‘ is a project by Tyler Turnbull using damaged or forgotten art to express the sheer immaturity he holds within.

Quelle: „Born in Space“

Was bei manchen Motiven wie digitale Illustrations-Kunst anmutet, die am Computer entstanden ist, ist in Wirklichkeit analoge Handarbeit. Und davon eine ganze Menge. Die französische Künstlerin Amandine Delaunay erstellt ihre Motive nämlich in mühsamer Kleinstarbeit mit ganz viel Kreativität und Geduld. Tausende Punkte und/oder kleine Striche sind oftmals die Grundlage für kunstvolle Motive, die vor allem durch ihre Sauberkeit in der Umsetzung zu überzeugen wissen. Hier eine kleine Auswahl für euch.

„Amandine Delaunay ist Illustratorin und Autorin. Die 1988 geborene und in Paris lebende Künstlerin hat einen Master-Abschluss in Art Direction von der ESAG Penninghen. Neugierig und enthusiastisch, reichen ihre Einflüsse von Ernst Haeckel und Gustave Doré bis hin zu Tommy Ungerer, Quentin Blake und Pénélope Bagieu.“ – Artist Statement (mit Google Translate aus dem Französischen übersetzt)

Mehr Kunst von Amandine Delaunay gibt es auf ihrer Website sowie auf Behance und Instagram zu sehen.

Quelle: „Inspiration Grid“

Pizza in the Rain (kurz PITR) holt die Street Art von der Straße an die heimische Wand – oder ins Museum. Der Künstler aus Chicago malt mit Graffiti besprühte Fassaden auf Leinwände. Dabei bekommen wir nicht nur enorm detailreich übertragene Häuserfronten sondern vor allem auch echte Graffiti-Tags zu sehen.

Weitere Werke von PITR gibt es auf dem Instagram-Profil @pizzaintherain zu begutachten. Der Künstler kann übrigens auch selbst Street Art – und bricht damit in gewisser Weise das Kunst-Meta-Kontinuum…

Quelle: „COLOSSAL“

Ganz viel Liebe für die Bilder von Werner Bronkhorst! Der in Südafrika geborene australische Künstler verleiht seinen Gemälden mittels ganz dick aufgetragener Farbe eine gewisse Plastizität, die mit ihren groben und großflächig angelegten Strukturen im starken Kontrast zu den kleinen Miniatur-Figürchen steht, die final aufgetragen werden. Dieser moderne Minimalismus wirkt enorm edel und kunstvoll, zu gerne wäre ich auch auf diese Idee gekommen. Vielleicht versuche ich beizeiten mal, die Technik nachzustellen und ein ähnlich angelegtes Kunstwerk zu schaffen.

„Recognised for his two distinctive styles, with the first involving abstract sculptural backgrounds with hyper-realistic paintings of miniature people and objects and the second involving charcoal drawings of cars with thick text layered on top, Bronkhorst uses social media as a tool to share his artistic process with the world.“ – [Artist Statement]

Auf der Website von Werner Bronkhorst könnt ihr viele weitere solche tollen Arbeiten bestaunen und auf Instagram ist der Künstler natürlich auch zugegen.

Quelle: „COLOSSAL“

Gonzalo Pizarro erstellt Kunstwerke, die scheinbar aus vielen kleinen Holzteilchen bestehen, die überlegt in Position angebracht sind, um in Mosaik-Art ein größeres Motiv zu ergeben. Tatsächlich malt der Kreative aus Argentinien jedoch auf einer Spanholzplatte derart, dass dieser optische 3D-Effekt entsteht.

Art is more than just visual expression. Guided by this philosophy, Gonzalo Pizarro creates works that merge material, texture, and imagination, inviting viewers to connect deeply and experience creativity beyond boundaries. – [Artist Statement]

Weitere Kunstwerke aus Holz gibt es auf der Website von Gonzalo Pizarro zu begutachten, der natürlich auch auf Instagram aktiv ist.

Quelle: „Inspiration Grid“

Sebas Velasco malt gerne alte Autos und Personen in rauheren großstädtischen Gefilden. Neben der authentischen Atmosphäre, die die Bilder durchzieht, imponiert mir vor allem der leicht impressionistisch angelegte dynamische Pinselstrich, den der spanische Künstler ansetzt. Diese an Pixelfragmente oder glitchige Distorsionen erinnernden Elemente verleihen den Motiven Dynamik und eine gewisse Struktur.

Mehr von und zu Sebas Velasco gibt es auf der Website des Künstlers sowie auf dessen Instagram-Profil finden.

Quelle: „BOOOOOOOM“

Öl, Acryl und Kohle sind zumeist die Materialien, mit denen Xenia Gray ihre Bilder erstellt. Die Künstlerin erschafft Portrait- und Lifestyle-Motive, deren Stil mir sehr gut gefallen. Die Motive vermitteln eine gewisse Struktur und trotzdem ein aufgeräumtes Gesamtbild.

Fascinated by unexpressed feelings and things left unsaid, Xenia explores emotions through paintings of the human body.

„Art is a channel for me, through which I can express my emotions, be seen and understood by an observer.” – [Artist Statement]

Mehr Kunst von Xenia Gray gibt es auf der Website der Künstlerin sowie auf Instagram.

Quelle: „BOOOOOOOM“

Liang Wang ist bereits ordentlich herum gekommen. Der in Taiwan geborene und zwischenzeitlich in Australien lebende Künstler ist mittlerweile in Kanada beheimatet und malt dort zunächst unspektakulär wirkende Eindrücke aus dem Leben. Häuserfassaden, Straßen, der ein oder andere Mensch oder auch mal ein Tier – alles recht simpel gehalten und auch vom Darstellungsstil eher in im groben Pinselduktus anzuordnen. Aber die Bilder wissen, eine gewisse expressionistische Stimmung auszustrahlen, was durch eine mutige Farbintensität unterstützt wird. Hier eine Auswahl meiner liebsten Werke von Wang.

Mehr Gemälde von Liang Wang gibt es auf der Website des Künstlers sowie auf dessen Instagram-Profil zu finden.

Quelle: „BOOOOOOOM“

Im Frühjahr 2023 sind wir wieder zurück nach Hannover gezogen und im Zuge des Einrichtens und Einlebens in der neuen Wohnung dachte ich mir, wieso nicht einfach mal ein eigenes Bildmotiv an die Wand malen? Dass das nicht „einfach mal“ gemacht ist habe ich in den rund 12 Monaten gemerkt, die es letztlich gedauert hat, bis das gute Stück fertig ist. Entsprechend froh bin ich darüber, endlich das Ergebnis mit euch teilen zu können. Und nicht nur das – ich habe auch ein kleines Timelapse-Video zur Entstehung des Wandbildes erstellt.

Um direkt die gegebenenfalls vorhandene Neugierde zu stillen: So sieht das finale Endresultat aus, das fortan unsere Wand in der Essküche schmückt:

Making of mit Timelapse-Video

Natürlich habe ich nicht ein Jahr lang non-stop am Bild gearbeitet. Im Gegenteil, es gab immer mal Passagen, in denen ich wochenlang nicht dazu kam, weiter zu machen. Hin und wieder habe ich mich eine Stunde an die Wand gestellt und weiter gemalt, mal mehr, mal weniger häufig. Letztlich hatte ich mir das auch nicht im Ansatz so lang vorgestellt. Ein paar Wochen, okay, aber rund ein Jahr?! Uff. Auf dem Weg gab es aber auch einige unvorhergesehene Komplikationen. Weiter unten gibt es ein Timelapse-Video zur Entstehung des Bildes, im Folgenden beschreibe ich den Prozess nochmal genauer.

Oben könnt ihr die vorgezeichnete Bleistift-Struktur auf der Wand sehen. Und wenn ihr ganz genau unten auf den Stuhl schaut, auch ein Blatt Papier. Darauf habe ich meine Vorlage ausgedruckt, die ich am Computer erstellt hatte. Mein Lieblingsmädchen und ich haben einige Versionen am Rechner erstellt und abgewandelt, bis es uns gefallen hat. Die Formen habe ich dann freihändig auf die Wand übertragen (hat jetzt nicht 1:1 funktioniert, wie man es mit einer Projektion geschafft hätte, aber pflanzliche Blätter sind ein sehr dankbares da flexibel handhabbares Motiv).

Bis dahin ging alles noch recht planmäßig. Die erste kleinere Komplikation ergab sich beim Erwerb der Farben. Für die geringen Mengen, die ich benötigte, wollte ich nicht extra mehrere Farbtöne anmischen lassen. Also ging ich in den Baumarkt und versuchte mittels meiner ausgedruckten Vorlage, möglichst passende vorgemischte Farben zu kaufen. Das hat teilweise funktioniert, teilweise aber auch zu ungewollten Farbabweichungen (und diversen Neukäufen) geführt. Mein Tipp: Am besten alle Farben von einer Marke besorgen, damit sie zueinander passen. Bestenfalls weiß man auch, wie nah die auf dem Etikett abgedruckte Farbe dem Resultat an der Wand gleicht.

Vielleicht lag es an den Farbton-Abweichungen oder schlicht am fehlenden Licht in der Zimmerecke, aber mit der Zeit mussten wir leider auch feststellen, dass gewisse Farbtöne aneinandergrenzen kaum zu unterscheiden waren. Ein dunkles Grün hat keine klare Grenze zu einem dunklen Blau gezogen, was eine enorme Unwucht im Motiv hat entstehen lassen. Erst hatte ich andere Farbtöne ausprobiert, letztlich habe ich mich aber der Notlösung ergeben, einige Blätter jeweils mit einer Linie zu umranden. Das zerstört zwar ein bisschen den grundlegenden großflächigen und eher simpel gehaltenen Charakter des Motives, aber ich hatte keine Lust, nochmal Farben zu kaufen und vor allem großflächig anzubringen (das hätte nochmal etliche Stunden gedauert).

Wie viele Stunden ich insgesamt mit dem Malen verbracht habe? Puh, keine Ahnung. Hätte ich auch mal festhalten sollen. Aber im folgenden Timelapse-Video sind insgesamt 95 Bilder eingebaut, die ich in eigentlich immer am Ende einer Session geschossen habe, um den Fortschritt zu dokumentieren. Ganz am Anfang habe ich es nicht mit dem Timelapse-Gedanken (also perspektivisch unbrauchbar) gemacht, hinzu kommen einige Stunden an Vorbereitung (Computerarbeit, Farbenkauf, etc.). Grob würde ich von roundabout 100 Stunden Zeitaufwand sprechen. Ich hätte nie gedacht, dass alleine das saubere Kantenziehen von eigentlich großen, groben Strukturen, wie auf diesem eher schlichten Motiv erkennbar, derart lange dauern würde. Fies war auch die äußerst ausgeprägte Rauhfaser-Struktur der Tapete, die nochmals erschwert hat, ein gleichmäßiges Bild zu erschaffen.

Hier die Entstehung des Bildes im Zeitraffer-Video:

Wie ihr merkt, habe ich da jetzt keine professionelle Belichtung in den Raum gepackt, um jeweils ein farbtontechnisch einheitliches Bild hinzubekommen. Teils habe ich bis in die Dämmerung gemalt, teils im prallen Sommersonnenschein – das hat zu ekligen Abweichungen bei den Fotos geführt. Das Perspektivische konnte ich einigermaßen gut abfangen (auch wenn ich jetzt keine Lust hatte, da Pixel für Pixel drüber zu legen), in Sachen Farbtemperatur haben vor allem die Passagen mit noch wenig Farbe an der Wand zu einigen Problemen in der Post Production geführt. Letztlich sollte das aber passen, um einen Eindruck zu bieten, denke ich.

Eine Sache, die erfreulich gut geklappt hat, ist die Goldfarbe. Die hatte ich eigentlich mal vor Jahren für ein anderes Projekt geholt, aber nie geöffnet gehabt. Letztlich hat sie aber genau das gemacht, was ich wollte: Einen edlen, dunklen Goldton abgeben, der im Licht schimmert. Kommt schlecht auf den Fotos rüber, aber ich mag, wie die Linien sowie Schnabel und Beine des Flamingos nochmal einen anderen Effekt haben. Hier eine versuchte Nahaufnahme, um den Effekt zumindest ansatzweise darzustellen:

Mit dem Resultat bin ich jedenfalls sehr zufrieden. Klar, noch genauer oder besser geht immer und die Sache mit den leichten Farbton-Abweichungen sowie den ungewollten Umrandungslinien wurmen mich etwas, aber das Ergebnis strahlt im Raum die Wärme und Atmosphäre aus, die ich mir erhofft hatte. Und letztlich können wir sagen, dass das keine Fototapete sondern selbsgemalt hat! Jetzt muss ich bei unserem irgendwann mal stattfindenden Auszug nur noch den Vermieter davon überzeugen, dass wir das nicht weiß überstreichen müssen…

Loribelle Spirovski ist künstlerisch vielseitig unterwegs. Mir gefallen vor allem die abstrakt-minimalistischen Portraits der australischen Künstlerin. Bei diesen nimmt der Detailgrad in gewisser Weise von einem Auge des Motivs ausgehend nach und nach ab. Gerade dieser Mix aus Fotorealismus und dynamischer Abweichung ins Grobe macht die Arbeiten für mich aus.

Weitere Werke von Loribelle Spirovski gibt es auf der Website der Künstlerin sowie auf ihrem Instagram-Profil zu begutachten.

Quelle: „Inspiration Grid“

In diesem gleichsam inspirierenden wie entspannenden „Painting of“-Video bekommen wir zu sehen, wie Künstlerin Dusan Malobabic das Werk „Renoir Deli“ erstellt. Ich mag den mittels Spachtel untermauerten groben Pinselduktus sehr.

Quelle: „Twisted Sifter“

Chad Cantcolor bemalt so ziemlich alles, das er in die Finger bekommt. Vor allem Sneaker und Skateboards haben es dem Künstler angetan. Dabei weiß er mit starker Linie und bunten Farben stets einen einzigartigen Eye Catcher zu erschaffen. Hier eine kleine Auswahl meiner Lieblingsarbeiten von Chad Cantcolor.

His work is a direct product of growing up on cartoons, skateboarding, punk rock and counterculture. These subjects serve as the melting pot for his creations, often finding beauty in the chaos. Chad’s art can be found through exhibits and installations worldwide on canvas, sneakers and walls. – [Artist Statement]

Weitere solch kreativer Schuh-Verkünstelungen gibt es auf der Website von Chad Cantcolor zu bewundern, der zudem auch auf Instagram zugegen ist.

Quelle: „Inspiration Grid“

„Der Schrei“ dürfte eines der bekannteste Gemälde der Kunstgeschichte sein. Aber wusstet ihr, dass Edvard Munch mit diesem Titel nicht etwa die Person auf dem Bild meint, die mit offenem Mund zum Betrachtenden blickt? Nein, die weltbekannte Figur reagiert lediglich selbst auf einen Schrei, wie Noah Charney und in der von Martina Meštrović bebilderten TED-ED-Lesson erklärt.

An undulating sky melds into the landscape, two silhouettes move along a balustraded walkway, and a ghostly figure’s features extend in agony. Since Norwegian artist Edvard Munch created „The Scream“ in 1893, it’s become one of the world’s most famous artworks. But why has its cry traveled so far and endured so long? Noah Charney shares the inspiration behind the dramatic and haunting masterpiece.

Quelle: „Neatorama“

Mit ihrem gestrichelten Pinselduktus hat Nadège Dauvergne einen ganz eigenen Malereistil entwickelt, der optisch wirkt, als würden wir gestrickte Motive aus Garn zu sehen bekommen. Dabei prangen die Werke der Französin in der Regel auf großen Gemäuern oder Leinwänden. Ein interessanter Stil, der vor allem das Stadtbild kunstvoll zu bereichern vermag. Hier einige Beispiele.

Weitere kreative Arbeiten von Nadège Dauvergne gibt es auf der Website der Künstlerin sowie ihrem Instagram-Profil zu sehen.

Quelle: „Beware!“

2019 hatte ich hier im Blog bereits über die grob gespachtelten Portraits von Salman Khoshroo berichtet. Damals haben sich Khoshroos Werke bereits durch eine gewisse Räumlichkeit ausgezeichnet, die jedoch noch auf der Dicke der Farbschicht auf dem flachen Untergrund begrenzt war. Mittlerweile hat der iranische Künstler komplett die Dreidimensionalität betreten und erstellt ganze Büsten, die aus groben Farbkellen-Schlägen zu bestehen scheinen. Ich liebe diese Reihe!

Weitere Werke von Salman Koshroo gibt es auf der Website des Künstlers zu sehen, der zudem auch auf Instagram aktiv ist. In fünf Jahren dann 4D-Arbeiten?

Quelle: „COLOSSAL“

Bereits im Jahr 2018 hatte ich hier im Blog über die Arbeiten von John Brosio geschrieben. Der US-amerikanische Künstler ist noch immer fleißig dabei, surreale und doch irgendwie realitätsabbildende Auffassung der USA auf die Leinwand zu bringen. Nur halt mit großen Monstern, die hin und wieder in der Gegend sind. Aber das passt ja auch irgendwie… Hier ein kleines Update zu seinen Arbeiten.

Weitere Bilder von John Brosio lassen sich auf dessen Website sowie auf seinem Instagram-Profil finden.

Quelle: „BOOOOOOOM“

Fans eines ausgeprägten Pinselduktus sollten beim Anblick der Arbeiten von José Lerma das Herz aufgehen. Der Künstler arbeitet aber mal so richtig mit Farbe, bestehen seine Werke doch meist lediglich aus einigen sehr überlegt und vor allem groß angelegten Pinselstrichen. Dabei wird die Farbe derart massig modelliert, dass man gar davon sprechen könnte, dass das in den plastischen Skulpturbereich übergeht. Ein einfach aussehender und doch gar nicht leicht umsetzbarer Stil – gefällt mir! Ach ja – und die Bilder sind deutlich größer als man zunächst annehmen mag – das sind wohl eher Kellenstriche denn Pinselstriche…

Weitere Werke von José Lerma gibt es auf Instagram zu bestaunen.

Quelle: „COLOSSAL“

Der Begriff „Soße“ wird hier recht weitläufig angewandt, aber fest steht, dass die Leute der Corridor Crew hier keine handelsüblichen Farben benutzen, um einer Anleitung von Bob Ross zu folgen. Stattdessen gibt es allerlei Soßen, die genüsslich auf die Leinwand gestrichen werden. Und ja, das grenzt an Lebensmittel-Verschwendung, da die Herren anscheinend alles neu gekauft haben. Aber so könnt ihr anschauen, ob das funktioniert, um es nicht selbst nachmachen zu brauchen…

„Niko, Jake, Griffin and Jordan Allen attempt to follow along with a Bob Ross painting tutorial using only ‚food sauce‘ as their paint!“

Quelle: „The Awesomer“

Der in Sydney lebende Videospiel-Entwickler Pat Naoum hat sieben Jahre lang an „The Master’s Pupil“ gearbeitet. Nun gibt es viele Details, die es bei der Erschaffung von Videospielen zu beachten gilt, den Großteil der Zeit dürfte der Australier jedoch damit verbracht haben, die Grafik zu malen. Denn die zu sehenden surreal anmutenden Landschaften sind allesamt handgemalt! Neben origineller optischer Puzzelei bietet das Spiel so auch eine kunstvolle Hommage an Meister Claude Monet. In dessen Augapfel befinden wir uns nämlich im Spiel, mit der Mission, die Arbeiten des Impressionisten zu vervollständigen. „The Master’s Pupil“ ist in vielerlei Hinsicht ein äußerst kreatives Spiel.

„Solve puzzles and wander your way across the iris, and through the life, of Impressionist painter Claude Monet. A linear adventure featuring twelve levels of mind-bending puzzles based on colour, physics and space. Lovingly handcrafted real painted landscapes combined with dynamic and emotional set pieces, soundscapes and music.“

Wer sich einen Ersteindruck zum Spiel machen möchte, kann sich diesen offiziellen Trailer zu „The Master’s Pupil“ anschauen. Wer darüber hinaus das komplette Spiel vorgespielt bekommen möchte, kann den weiter unten eingebundenen „Cozy Playthrough“ anschauen, den MadMorph für uns aufgezeichnet hat.

„New cozy playthrough. Playing The Masters Pupil and rambling about Barbie, Art, Pretty People on Instagram and more. This game took 7 years to make.“

Weitere Informationen zum Videospiel „The Master’s Pupil“ findet ihr auf der offiziellen Website zum Titel. Eine kostenlose Demo kann man – genau wie die Kaufversion für 14,79 Euro – über Steam beziehen. Außerdem ist „The Master’s Pupil“ auch für die Nintendo Switch zu haben.

Quelle: „COLOSSAL“

2016 hatte ich bereits einmal über die Arbeiten der damals 16-jährigen Dimitra Milan hier im Blog berichtet. Mittlerweile ist die in Florida lebende Künstlerin nicht nur sieben Jahre, sondern vor allem reifer geworden, was ihre künstlerischen Fähigkeiten sowie ihre Ausrichtung anbelangt. Ihr surreal angehauchten Collage-Motive sind noch detailreicher und strukturierter geworden. Es gibt zudem auch einige Arbeiten, die deutlich zurückgenommener und weniger wirr gestaltet sind. Hier eine kleine Auswahl aus Milans aktuellem Portfolio:

Weitere Arbeiten von Dimitra Milan gibt es auf dem Instagram-Profil der Künstlerin zu sehen. Und wer weiß, vielleicht in sieben Jahren dann wieder hier im Blog…

Quelle: „Beware!“

Im Frühjahr 2020 hat die in Chicago lebende Leah Gardner das gemacht, was viele von uns zu Beginn der Coronavirus-Pandemie gemacht haben: Neues ausprobiert. Hobbies, die man gut alleine in den eigenen vier Wänden durchführen kann. Bei ihr war das die Malerei – und aus dem Hobby ist mittlerweile ein Beruf geworden. Ihre Arbeiten sehen jetzt nicht ultra-komplex aus, aber die Sauberkeit in den Linien und der illustrativ wirkende Minimalismus in der Farbgebung hat schon etwas für sich, finde ich. Neben Stillleben gibt es auch die ein oder andere Taube oder gar andere Dinge von der Welt zu sehen.

„After a few months of fiddling around, accumulating a stack of terrible paintings, and learning from many mistakes, she realized she was developing a knack for working with oils and began to sell her work. Since January 2021, Leah has painted full-time. Her work can be seen at several businesses in the Chicago area and at local art fairs. In her free time, Leah can be found walking her dog, tending to her many plants, and binge-reading fiction novels.“ (Artist Statement)

Weitere Kunstwerke von Leah Gardner gibt es auf ihrer Website sowie auf ihrem Instagram-Profil zu sehen.

Quelle: „COLOSSAL“

Das LEGO-Set #31208, das das ikonische Kunstwerk „Die große Welle vor Kanagawa“ des japanischen Malers Katsushika Hokusai aus dem Jahr 1831 nachbilden lässt (und aktuell im Angebot ist – Partnerlink), ist für sich genommen schon toll genug anzusehen. Stopmotion Artist slopsmcgee hat das Set aber nicht einfach so langweilig am Tisch nachgebaut, sondern das Set in wundervoller Art zelebriert, indem er es tatsächlich gemalt hat. Also, zumindest erweckt er den Anschein. Alleine die Farbmischungs-Sequenz zu Beginn ist sooo gut! Und obwohl die Klemmbausteine aus Plastik eher der harten Sorte zuzuordnen sind, ist alles enorm flüssig gestaltet.

„Although Hokusai’s original version was a wood block printing, the LEGO version creatively captured the intricate detail and textures of the art with LEGO bricks. I felt animating/’painting‘ this set would be a great way to honor both works of art.“

Quelle: „reddit“

Statt Street Photography macht Keita Morimoto Street Paintings. Der in Tokio lebende Künstler malt Motive, die uns oftmals städtische Szenen zeigen. Die Schönheit der urbanen Nacht mit seinen Lichtern und dem Kontrast zwischen kalter, harter Betonlandschaft und vereinzelter Natur oder Menschlichkeit. Aber auch alltägliche Situationen von Menschen in ihren privaten Räumen sind Teil seiner Arbeiten. Mir gefällt der Stil, der in gewisser Weise realistisch und doch gröber geraten ist. Ein bisschen, als hätte man einen Art-Filter über ein Foto gesetzt.

Weitere Arbeiten von Keita Morimoto gibt es auf der Website der Künstlerin sowie auf deren Instagram-Profil zu sehen.

Quelle: „BOOOOOOOM“

Der brasilianische Maler Fabiano Millani hat sich auf eine sehr fotorealistische Darstellungsart spezialisiert. Dabei bekommen wir vornehmlich Damengesichter zu sehen, die mit Honig überschüttet worden sind. Das ist zwar in der Konsequenz durchaus in gewisser Weise diskutabel, schaut aber schon verdammt gut aus – vor allem technisch ist das sehr eindrucksvoll, wie sehr die Arbeiten (zumindest digital aus der „Ferne“ betrachtet) nach Fotografien aussehen!

In diesen Insta-Posts bekommt ihr teilweise auf den zweiten Bildern oder Video-Posts nähere Anblicke der Werke zu sehen:

Weitere eindrucksvolle Kunstwerke Fabiano Millanis gibt es auf der Website des Künstlers zu bestaunen, der zudem auch auf Instagram anzutreffen ist.

Quelle: „Inspiration Grid“

Tanya Gomelskaya erstellt im wahrsten Sinne des Wortes herausragende Gemälde. Dabei handelt es sich bei den Motiven der Künstlerin nicht etwa um einen perspektivischen Trick, sondern um tatsächlich physische Gebilde. Hände, die beispielsweise aus den Bilderrahmen ragen, wurden als Skulpturen nachgebaut, so dass sich ein fließender Übergang von flacher Malerei hin zur Plastik im Raum ergibt. Sehr kreativ! Das erinnert mich and die Arbeiten von Barry Hazard.

„My paintings represent the way I’m attempting to navigate this world: balancing my anxieties and strengths, fear and bravery, self doubt and confidence all packed into a composed exterior.“

Weitere Werke von Tanya Gomelskaya gibt es auf der Website der Künstlerin zu finden, die zudem auch auf Instagram unter dem großartig simplen Namen @tanya anzutreffen ist.

Quelle: „Inspiration Grid“

Mir gefällt der grobe Pinselstrich, den Hanie Soltanie bei ihren Gemälden anwendet, sehr. Dieser verschafft in seiner Anwendung den Bildern der iranischen Künstlerin, sowohl eine gewisse Struktur als auch eine Sauberkeit. Leicht impressionistisch angehaucht bekommen wir realitätsnahe Abbilder von Personen in authentischen Lebenssituationen zu sehen, wobei vor allem die anatomische Darstellung stets gelingt.

„As an artist, my work is a manifestation of my deep exploration into the human experience and the raw emotions that reside within us. Through my paintings, I aim to evoke a sense of connection and introspection, inviting viewers to embark on a personal journey of self-discovery.“

Weitere Arbeiten von Hanie Soltanie lassen sich auf dem Instagram-Profil der Künstlerin finden. Hinweis: Vereinzelte Motive rutschen in den NSFW-Bereich rein.

Quelle: „BOOOOOOOM“

Robert Euwe schafft es nicht nur, extrem realitätsgetreu zu malen, seine gigantischen Portraits bestehen auch durch kunstvolle Inszenierungs-Ideen. Mit Ölfarbe setzt er so zum Beispiel Motive um, bei denen Models Blüten auf den Augen tragen. Hat was!

„Emotional expression, meticulous precision, and hyper realistic outlook are what define Robert Euwe’s artistic universe. Through Robert’s lens, a brief second of emotion is turned into a long-lasting image, the details are attended to thoroughly and as a result, we get a point of view that is both incredibly realistic yet magically otherworldly in nature.“ (Artist Statement)

Weitere Arbeiten von Robert Euwe lassen sich auf der Website des Künstlers sowie auf dessen Instagram-Profil begutachten. Hier noch eine kurze Video-Dokumentation über seine Arbeit: