Das ist wild. Der US-Amerikanische Künstler Steve Parker erstellt für seine Reihe „Sonic Meditation for Solo Performer“ große Setups, in denen Leute ihren Kopf „anschließen“, so dass die rundherum angebrachten Instrumente auf Basis der übertragenen Gehirnwellen Musik spielen. Quasi das Ein-Personen-Orchester der Zukunft. Im folgenden Video kann man „Sonic Meditation for Solo Performer No. 2“ in Aktion erleben. Das muss eine sehr interessante Erfahrung sein, da selbst drin stehen und sich „denken“ hören zu können.

A constellation of instruments that play a musical composition using brain waves. The work invites a viewer to read a silent meditation while wearing an EEG headset, where the data is translated into a 16 channel composition that is played through the suspended instruments above.

Und hier „Sonic Meditation for Solo Performer No. 1 (for Pauline Oliveros and Alvin Lucier)“ im Video:

A constellation of salvaged marching band instruments that plays a musical composition made from the brainwaves of a single viewer. The viewer wears an EEG brain monitor and reads a series of silent meditations. The viewer’s brain activity is then translated, via custom Max/MSP patch, into a 16 part musical composition that is played through the instruments hanging above.

Quelle: „COLOSSAL“

Die finnische Künstlerin Anni Laukka erstellt tolle Skulpturen, die bei richtungsweisender Beleuchtung ein schönes Schattenmotiv ergeben, das nicht immer direkt beim bloßen Blick auf das Gebilde erwartbar sind. Noch imposanter wird es, wenn ein und dieselbe Skulptur gleich mehrere Schattenmotive ergibt, so es von unterschiedlichen Seiten aus beleuchtet wird.

Anni Laukka macht auch Kunst abseits dieser Schatten-Skulpturen. Auf ihrer Website sowie auf ihrem Instagram-Profil gibt es weitere Arbeiten von ihr zu sehen.

Quelle: „Inspiration Grid“

„HOME“ heißt diese großartige Installation von Matthew Mazzotta. Der gigantische Flamingo, bzw. die Teile, die er vermeintlich unter Wasser hält, stehen im Central Terminal des Tampa International Airport. Florida ist ja in gewisser Weise auch das Zuhause der rosa gefärbten Vögel. Das muss schon gewaltig sein, die überdimensionalen Körperteile zu sehen zu bekommen, vor allem, wenn man exakt unter der verschwimmend spiegelnden Deckenfläche steht, die die Wasseroberfläche darstellen soll.

„Flights arrive and depart from the Tampa International Airport, bringing people – from their home, back home, to a new home, or a place that ‚feels like home‘. The idea of ‚home‘ in Florida is not only for people, it is also home for the abundance of wildlife that lives here as well. One of the most iconic animals of Florida is the flamingo, and even though its popularity and image graces innumerable pieces of memorabilia that claim to be from Florida, for years this beautiful bird has been thought to be non-native. However, recent research has changed the story of the flamingo’s home, and new findings trace its roots to Florida, which has caused a stir and excitement among researchers and residents. „

Quelle: „COLOSSAL“

Im Zuge seiner „Bâtiment“-Reihe hat Künstler Leandro Erlich bereits 2013 Leute an eine Londoner Häuserwand gehängt. Aktuell steht “The Building” im Liberty Science Center in Jersey City. Das Besondere an der Installation: Die vermeintlich normale Fassade eines Wohnhauses aus New York City liegt auf dem Boden. Ein geneigter Riesenspiegel sorgt dafür, dass Personen tun können, als hingen sie an Balkongerüsten oder liefen senkrecht die Fassade hinauf. Das muss ziemlich genial wirken, wenn man live vor Ort ist! Bis 2. Oktober habt ihr die Chance, solltet ihr selbst zufällig in der Nähe sein.

„He wanted it to be like a dream come true: defying the laws of gravity for a short moment… Even if all the viewers would not physically interact with the work, they would have left some photographs as a proof of a unique experience… Every version of Bâtiment is inspired by the architecture of the area where it’s placed (Paris; a p town in Japan; Buenos Aires; Donetsk…). If art has the power to define beauty, Erlich thought that it was important for the “spect-actors” to come and interact freely with an artwork that looked like their home ground, not some ideal.“ (Artist Statement)

Mehr zur Kunst von Leandro Erlich gibt es auf dessen Website zu sehen. Unter anderem hat er bereits mit seiner unendlischen Treppenschnecke Platz hier im Blog gefunden und ich hatte sogar mal selbst die Ehre eine seiner Installationen erleben zu dürfen.

Quelle: „COLOSSAL“ | Fotos: Gus Powell / Liberty Science Center

Das Spielen klassischer Musik ist bereits eine Kunst für sich, antnhec sprengt jedoch das orchestrale Gefüge, indem die Musiker:innen quer in einem Buchlager verteilt spielen. Das dürfte gar nicht so leicht sein, da die Synchronität zu wahren, für die Besuchenden dürfte das aber ein sehr besonderer Rundgang sein.

„This is the second of a number of different artforms confronting the labyrinth book maze that is Reread in Doncaster. Here the players of the orchestra are split and spread around the space, but all still playing thier parts. Members of the public can move around the space, find players, and read books. An experiment in immersion, reading and public performance.“

Quelle: „b3ta“

2017 gab es ein Cartoon Café in Seoul, das mittlerweile aber nicht mehr online zu sein scheint. Im gleichen Stil erstellt die australische Künstlerin Anastasia Parmson ganze Wohnwelten. Weißer Anstrich und prägnant geführte schwarze Konturlinien sorgen für einen sauberen Comic-Look, der sich besonders seltsam anfühlen muss, wenn man mitten in der 3D-Realität drin sitzt, steht oder wandelt.

„Anastasia received a Master’s in Visual Arts from Strasbourg University in 2009 and then embarked on multiple life-changing adventures on sea, land and in-between. Traveling a lot and living in several countries around the world has meant that she is constantly searching for belonging in unfamiliar places, while inevitably remaining an outsider. Drawing has been her way to create pockets of intimacy and to trace her place in the world.“ (Artist Statement)

Weitere Kunst von Anastasia Parmson gibt es auf der Website das Freu aus Sydney zu sehen, die auch auf Instagram und Facebook zugegen ist.

Quelle: „Colossal“

Uff, bei diesen Aufnahmen muss man dann doch schlucken. Change the Ref ist eine von Eltern, die ihren Sohn bei einem School Shooting verloren haben, gegründete Initiative, um auf die Missstände des US-amerikanischen Waffensystemes hinzuweisen. In dieser meiner Meinung nach sehr gelungenen Aktion werden neben allerlei Glückwunsch- und Grußkarten ganz standardmäßig welche in der Kategorie „School Shooting“ angeboten. Das Schlimmste daran: So ganz unmöglich fühlt sich der Gedanke nicht an, ist die schiere Masse an Mass Shootings in den USA zumindest aus europäischer Sicht traurigerweise unbegreiflich hoch…

„Mass sympathy cards. Coming soon. If we do nothing. #ChangeTheRef“

@changetheref

Mass sympathy cards. Coming soon. If we do nothing. #ChangeTheRef

♬ original sound – Change The Ref

Quelle: „@davenewworld_2“

2006 hat Heather Benning im kanadischen Sinclair, Manitoba, damit begonnen, ein altes Farmhaus in ein gigantisches Puppenhaus zu verwandeln. Die Künstlerin hat alles im alten 60er-Jahre-Stil eingerichtet, die Wände knallbunt angestrichen und dann das komplette Gebäude auf einer Seite offengelegt, damit man wie beim klassischen Puppenhaus hineinschauen kann. Richtig gute Idee! Das muss vor allem live eine sehr interessante Erfahrung gewesen sein.

Achso, ja – 2013 wurde The Dollhouse dann abgebrannt. Kontrolliert und auf eigenen Wunsch, sollen die Zuschauer:innen doch spüren, was es heißt, eine Bleibe zu verlieren. Ein starkes Zeichen in Zeiten von Klimawandel und Wohnungsnot!

Weitere Arbeiten von Heather Benning lassen sich auf der Website der Künstlerin sowie auf Instagram finden.

via: thisiscolossal

Vergangene Woche hatte ich die Möglichkeit, bei der Presse-Eröffnung von „DARK MATTER“ dabei zu sein. In Berlin-Rummelsburg hat Licht-Künstler Christopher Bauder mit seinem Designstudio WHITEvoid auf 1.000m² Ausstellungsfläche sieben ganz besondere multimediale Installationen geschaffen, die viele Sinne zu begeistern wissen. Seit Freitag ist die Ausstellung für die Öffentlichkeit geöffnet. Hier mein Erfahrungsbericht.

„DARK MATTER ist ein Parallelkosmos aus raumgreifenden Lichtinstallationen in dem die Grenzen zwischen realer und digitaler Welt verschwimmen. In den pechschwarzen Räumen eines ehemaligen Fabrikgeländes begibt sich der Besucher auf eine Reise durch sieben teilweise interaktive Werke. Licht, Bewegung und Klang verschmelzen zu emotionalen Choreografien aus leuchtenden Formen und Farben.“

Ich hatte mich überraschen lassen wollen und entsprechend wenig vorab geschaut, wie die Licht-Raum-Sound-Installationen denn nun genau ablaufen würden. Einige vorab verfügbare Pressebilder haben mir gezeigt, dass die Bauten ästhetisch sein dürften, wie viel Bewegung und Abwechslung sie zu bieten haben, hat mich dann aber wirklich überrascht!

Entsprechend sei hier mal direkt ein Hinweis für euch gegeben: Verwechselt „DARK MATTER“ bitte nicht mit einem Museum. Klar, es gibt Kunst zu sehen, aber diese Kunst „lebt“. Das ist kein Gemälde, wo man stundenlang oder nur wenige Sekunden vor stehen kann, meist aber eher schneller wieder weggeht, damit man auch alles im Museum zu sehen bekommt. Bei „DARK MATTER“ handelt es sich um sieben Installationen, denen ihr Zeit schenken solltet. Dann kann die Kunst sich entfalten. Und wenn ihr euch richtig darauf einlasst, bekommt ihr auch ganz viel zurück.

So sind wir etwas zu schnell durch die ersten Installationen gerauscht. „LIQUID SKY“ ist eine verspielte Spiegel-Welt, in der man sich unendlich oft sieht. Noch während man auf sein vielfaches Ich fokussiert ist, spielt sich über einem eine Licht-Geschichte ab, die durch passende Geräusche unterstützt wird. Im Nachhinein ärgere ich mich, dass ich nach wenigen Minuten bereits weiter gegangen bin, war ich doch hauptsächlich damit bedacht, ein schönes Bild geschossen zu bekommen…

Bei „INVERSE“ habe ich dann gemerkt, dass man den Werken Zeit widmen sollte. Als ich den Raum betrat, hatten die Kugeln sich zu einer großen Kugel zusammen geschlossen. Einzelne Bälle bewegten sich nach Oben oder Unten, es ergibt sich ein scheinbar schwereloses Partikelbild. Ganz schön. Gerade als ich weiter wollte, sah ich, dass sich das Konstrukt zu zerstören scheint. Ich habe zum Zeitraffer-Video angesetzt und wurde entsprechend „gezwungen“ länger auf der Sitzbank zu verweilen. Zum Glück! Denn so konnte ich zumindest einen Großteil des Zyklus sehen, der die Bälle gen Decke führt, in Wellen passend zur akustischen Untermalung formt und wieder gen Boden gleiten lässt. Wahnsinnig schön anzuschauen und eine beeindruckende Technik!

Das folgende „CIRCULAR“ besteht aus drei leuchtenden und farbwechselnden Ringen, die mich nicht so ganz abgeholt haben, ebenso haben wir die Zeit leider nicht genutzt, um länger am „BONFIRE“ verweilen zu können, einem gigantischen LED-Lagerfeuer, stilecht mit Campingstühlen umgeben, die zum Verweilen einladen. Der Feuer-Knack- und Aufloder-Effekt funktioniert aber trotz der offenkundigen Künstlichkeit der Installation erstaunlich gut. Allgemein weiß der Sound einen in den raumgreifenden Installationen stets einzunehmen. Aus Gesehenem und Gehörten wird auch ob der Tatsache, dass einen lediglich Dunkelheit umgibt, ein Gefühl. Gerade beim „BONFIRE“ oder auch dem „GRID“ kann man ideal abschalten.

Der „POLYGON PLAYGROUND“ ist eine der interaktiven Installationen. Eine Art Felsformation, die (ohne Schuhe!) zu besteigen ist und bei Berührung der Oberfläche mit den darauf projizierten visuellen Welten spielt, wobei sich auch der Sound minimal verändert. Wir waren glücklichweise nur mit wenigen Leuten im Raum, so dass man frei spielen konnte, ich wäre aber auch gespannt, das mal (nach Corona…) mit etlichen Leuten drauf zu sehen und hören zu bekommen.

Eines meiner absoluten Highlights war aber die „TONLEITER“! Das zweite und nochmal stärkere interaktive Element. In einem kleinen Raum stehen drei Leitern und ihr wisst nicht so wirklich, was es damit auf sich hat. Nur so viel sei verraten: Berührungen der Stahlleitern führen gewisse Töne und Lichter aus. So könnt ihr maximal zu dritt eine ganz besondere Jam-Session erleben. Das solltet ihr euch bei einem Besuch auf gar keinen Fall entgehen lassen!

Mein zweiter Liebling war das unseren Besuch abschließende „GRID“. Ein Deckengebilde aus LED-Röhren-Polygonen, das wie mir gesagt wurde bis zu 45 Minuten braucht, um eine Bewegungssequenz zu durchlaufen. Wir haben vielleicht 15-20 Minuten da gesessen. Erst am Rand, dann liegend auf dem Boden, direkt unter der eindrucksvollen Installation. Gerade da kann man wunderbar abschalten und die Kombination aus Licht, Bewegung und Sound auf sich wirken lassen. Vor allem hat mir imponiert, dass nicht alles Haudrauf-Aktion ist, auch der subtilen Bewegung und dem Geschwindigkeitswechsel wird viel Beachtung geschenkt.

Insgesamt waren wir knapp eine Stunde bei „DARK MATTER“ und hätten sicherlich noch viel mehr Zeit dort verbringen können. Ich werde auf jeden Fall nochmal hin gehen, alleine schon, um mir die ersten Installationen nochmal genauer anzuschauen und länger am „BONFIRE“ zu verweilen.

„DARK MATTER BERLIN opens its doors to a multidimensional parallel-world of light, space, and sound. “

Alle weiteren Informationen sowie die Möglichkeit, Tickets zu erwerben, gibt es unter DARKMATTER.BERLIN für euch. Es ist übrigens angedacht, dass auf lange Sicht her Berliner*innen, die bereits zu Gast waren, mit Freunden nochmal wiederkommen können und dann gratis Eintritt erhalten. Ideal also, um (die irgendwann nach dieser Pandemie wieder) besuchende Freunde mal zu etwas abseits der 08/15-Touri-Attraktionen in der Stadt zu führen!

DARK MATTER ist zudem auch auf Facebook und Instagram aktiv.

Nahe Burnley steht diese auf mehreren Ebenen kunstvolle Skulptur. „The Singing Ringing Tree“ von Mike Tonkin und Anna Liu schaut nicht nur schön aus, die Installation spielt auch Musik. Je nach Windrichtung und -Geschwindigkeit werden unterschiedliche Röhren des formschönen Aufbaus aktiviert, so dass diverse Töne herauskommen. Richard Cutler hat seine Kamera eine halbe Stunde mitlaufen lassen, damit auch wir, die nicht vor Ort sein können, einen Eindruck davon und ganz viel Entspannung erhalten können.

„Listen to our Zoom H6 recording of the singing ringing tree, it makes the most beautiful sounds as the wind echoes through the chambers that make up the statue. The gentle chimes are useful for meditation and are calm and soothing after a long stressful day. Let us trigger your autonomous sensory meridian response / ASMR and give you maximum tingles that are sure to send you to sleep and keep you asleep all night long.“

via: kraftfuttermischwerk

Mit „Infinite Staircase“ hat Leandro Erlich einen absoluten Insta-Hot-Spot geschaffen. Die aktuell im japanischen „KAMU Kanazawa“ ausgestellte Installation des argentinischen Künstlers erweckt nicht nur den Eindruck eines schier unendlich tiefen Treppenhauses, es dreht auch die Perspektive um 90 Grad. Das würde ich zu gerne mal real erleben!

Vom gleichen Künstler stammt übrigens auch diese Fassaden-Spielerei, sowie die Installation „Swimming Pool“, die ich mal live erleben durfte:

Weiteres zur Kunst von Leandro Erlich gibt es auf seiner Website zu sehen und auf Instagram ist er natürlich auch aktiv.

via: ignant

Ich glaube, das ein oder andere Mal in den vergangenen Jahren waren Arbeiten von Jon Foreman bereits im Rahmen der „Bilderparade“ hier im Blog zu sehen. Der Künstler aus Wales mit dem Gespür für geordnete Muster und natürliche Elemente hat aber bereits längst ein größeres Feature hier verdient.

Unter dem Projekttitel „Sculpt The World“ ordnet sich Foreman die Welt, wie sie ihm gefällt. Oftmals in Kreisen oder anderen geometrischen Formen. Vor allem an Steinen hat er Gefallen gefunden, die er nach Sondierung in überlegten Sortierungen anlegt.

„A creator of various styles of Land Art, he is ever in search of ‚different.‘ Be it with stones or leaves, inland or on beaches. He has even created works in derelict environments using materials such as broken glass or ashes and general debris. The scale of his work varies massively; he may use stones or driftwood to make something small and minimal. Otherwise he may be seen drawing massive scale sand drawings up to 50 metres across. His work is ephemeral in many differing ways; Most often the weather and immediate climate will make his work disappear (be blown down/washed away by the tide), and sometimes other people will interfere. This is all part of the creative process and has proven to benefit his work. Jon’s practice is not just something he enjoys but it is also a therapy for him, an escape from the stresses of everyday life. Jon began his journey making Land Art/Sculpture while in college but he feels his creative play with materials and innovative ideas are something which started long before. Most of his work takes place in an already beautiful setting such as the Pembrokeshire coastline. Having grown up there he saw the beauty of the coastline and woodlands and made use of them by collaborating with nature itself.“ (Artist Statement)

Aber nicht nur Steine sind sein Element. Sind gerade keine vorhanden, genügt Jon Foreman auch der einfache Sand am Strand, um Muster hinein zu ritzen und laufen, die zuweilen an Mandalas erinnern. Bis die Wellen oder der Wind sie sich wieder holen…

Viele weitere Arbeiten des Waliser Naturkünstlers gibt es auf der Website von Jon Foreman zu sehen, geordnet nach Werken aus den Bereichen Stein, Sand, Binnenland und mehr. Das ist wirklich sehr reichhaltig und inspiriert eine ganze Weile, wie ich finde. Ansonsten gibt es Sculpt the World auch auf Facebook und Instagram zu finden.

via: demilked

2017 hat uns Künstlerin Lucy Sparrow bereits mit einem Supermarkt aus Filz beglückt. Okay, das Gebäude selbst bestand nicht aus dem weichen Werkstoff, aber eben etliche Gegenstände darin. Das gleiche Prinzip hat die Britin jetzt am Rockefeller Center in New York City angewandt. „Delicatessen on 6th“ heißt das erlebbare Projekt, bei dem es Backwaren und Fisch-Spezialitäten aus Stoff gibt. Schmeckt nicht, hat keine Nährstoffe, aber schaut süß aus und muss ein sehr cooles Gefühl sein, inmitten dieses kreativen Haufens zu stehen.

Weitere Filz-Arbeiten von Lucy Sparrow finden sich auf ihrer Website sowie auf ihren Profilen bei Facebook und Instagram. Hoffentlich macht die Dame so etwas auch mal in Berlin!

via: designcollector

Shalaco hat das „Burning Man“-Festival besucht und dabei vor allem Augen für die vielen großen Kunst-Installationen gehabt. Damit wir Daheimgebliebenen auch etwas davon haben, hat er einige Highlights in einem kleinen Kunstrundgang filmisch für uns festgehalten. Irgendwann muss ich da auch mal hin, ey…

„I traveled over 200 miles exploring Burning Man art, and I still didn’t see it all. Here’s a taste of what was out there. Shot on a Onewheel XR, GoPro Hero 7 and 6D MK II.“

via: likecool

Im Wörthersee Stadion trägt eigentlich der Fußballverein SK Austria Klagenfurt seine Heimspiele aus. Doch bis 27. Oktober kann man im österreichischen Sportumfeld auch den Wald vor lauter Bäumen sehen. Denn Künstler Klaus Littman hat die sonst so freie Rasenfläche voller Bäume besetzt. 300 an der Zahl, fein säuberlich im Rechteck angeordnet (mit kleiner Lichtung in der Mitte). „For Forest – The Unending Attraction of Nature“ heißt das Projekt, das bereits auf Foto beeindruckende Motive bereithält. Vor Ort, live von einer der Tribünen im fast leeren sonst 30.000 Leute fassenden Stadtion betrachtet, muss das nochmal eine Ecke cooler wirken.

„Dieses ebenso ungewohnte wie faszinierende Bild wird ganz verschiedene Emotionen und Reaktionen auslösen. Je nach Tages- oder Nachtzeit bilden die Bäume eine sich ständig verändernde Landschaft, die sich durch Witterungseinflüsse sowie die saisonale Herbstfärbung des Laubes weiter verändern wird. Dieser emotionale Eindruck wird durch die völlig neue Betrachtungsweise des scheinbar Gewohnten – des Waldes – weiter verstärkt. Mit dieser monumentalen Installation möchte Littmann unsere Wahrnehmung der Natur herausfordern und den Blick auf die Zukunft der Mensch-Natur Beziehung schärfen. Das Projekt versteht sich auch als Mahnmal dafür, dass die Selbstverständlichkeit der Natur eines Tages nur noch in ihr speziell zugewiesenen Gefäßen zu bestaunen sein könnte, wie das bereits heute etwa mit Tieren im Zoo der Fall ist.“ (Statement)

Der Beititel „The Unending Attraction of Nature“ stammt übrigens vom gleichnamigen Bildmotiv Max Peintners aus dem Jahr 1970, das Grundlage dieser Kunstinstallation ist. Mehr dazu kann man hier nachlesen. Alles Weitere zum Projekt gibt es auf der offiziellen Website sowie auf Instagram zu sehen. Aber am besten fahrt ihr direkt ins österreichische Klagenfurt – täglich von 10 Uhr morgens bis 10 Uhr abends gibt es Einlass. Eintritt ist frei, die Erfahrung unbezahlbar!

via: thisiscolossal

Glas ist zwar durchaus als künstlerische Werkstoff bekannt, aber eher, was die Ausformung oder mosaikhafte Zusammensetzung anbetrifft. Der Schweizer Künstler Simon Berger hat dem Artstuebli eine wahrhaftige „Summer Break“ geschaffen, indem er das dortige Schaufenster zerstört hat. Aber eben mit Bedacht und Vorsicht, so dass mit etwas Abstand das Portrait einer Frau erscheint. Kunst mit Kante, gefällt mir!

„Gelungene Ausstellung mit PAM im Artstübli Basel.“

Weitere Arbeiten von Simon Berger gibt es auf der Website des Künstlers zu sehen, die unter der Domain DrSimon.ch zu finden ist. Eine ähnlich sehenswerte Aktion hatte Berger zuvor bereits mit einem Schaufenster am Skulpturenparcours in Zofingen umgesetzt:

via: demilked

„Dank“ US-Präsident (sic!) Donald Trump herrscht verstärktes Grenzendenken. Seine im Wahlkampf groß angepriesene Grenze zum südlichen Nachbarn Mexiko erfreut sich in sehr vielen Teilen der eigenen Bevölkerung und vor allem der ganzen übrigen Welt nicht wirklich großer Beliebtheit. Um ein kunstvolles Statement gegen die Grenzmauer und für ein tolerantes und offenes Miteinander abzusetzen, haben Ronald Rael und Virginia San Fratello einige knallpinke Wippen zwischen die Stahlpfeiler montiert, so dass Leute beider Grenzseiten miteinander wippen können. US-AmerikanerInnen und MexikanerInnen im Spiel vereint. Schöne Aktion!

„Architect and anti-border wall campaigner Ronald Rael installed three pink see-saws on the US-Mexico border to allow families on each side to ‚meaningfully connect‘ with each other and highlight the bond between the two countries. Rael said the see-saws turned the wall into a ‚literal fulcrum for US – Mexico relations‘.“

via: blogbuzzter

Bei dieser interessanten Kunstinstallation von Parse/Error, den einige von euch vielleicht noch vom mittlerweile eingestellten Kultur-Blog UFUNK her kennen, sehen Besucher ein auf die Wand projiziertes Herz, das zu schlagen beginnt, wenn man die beiden Haltestangen berührt. Und das analog zum eigenen Herzschlag. Was so ein Video natürlich nicht so ganz rüber bringen kann, muss ein sehr skurriles Gefühl sein, wenn man seinen eigenen Herzschlag derart realistisch und überdimensional visualisiert bekommt.

„A Living Heart is a reflection on what makes us living beings, and our relationship to the body, to the flesh, distorted through our digital identities. How can the realistic vision of a beating heart produce discomfort and disgust for some people when it is only a reflection of our physical reality?“

Alle Informationen zu „A Living Heart“ gibt es auf der passenden Projektseite zu sehen.

via: bewaremag

In diesem interessanten Timelapse-Video bekommen wir die interessante Erstellung des interessanten 3D-Murals in Form eines Schweinskopfes aus hunderten Schuhen, die interessanterweise von den Angestellten des Betriebes gestellt wurden, vom interessanten Künstler Noah Scalin im spätestens jetzt für Besucher noch mal interessanteren Restaurant „Fatty Smokes Barbecue Joint“ zu sehen. Interessant.

via: klonblog

Die in der Überschrift zu sehende „Tätigkeit“ ist mittlerweile dann doch für eine geraume Anzahl an Lebewesen Realität statt fantasievoll überspitzte Formulierung. Wir produzieren Massen an nicht abbaubaren Plastik, der in die Weltmeere geschüttet wird und dort zum unnatürlichen Endgegner für Tiere wird, die sich darin verfangen oder die kleinsten Plastik-Partikelchen mit einsaugen, die zu Schäden führen.

Die Künstler Benjamin Von Wong (zuvor hier mit seinen zwei Tonnen Elektronik-Müll) und Joshua Goh haben gemeinsam mit Social Impact-Spezialistin Laura Francois und mit der Hilfe von über 100 Freiwilligen binnen zehn Tagen diese Kunst-Installation geschaffen, um auf die ökologischen Missstände der Weltmeere hinzuweisen. „Plastikophobia“ lässt einen quasi mittendrin sein, in einem Meer aus 18.000 Plastikbechern. Was hier künstlerisch wertvoll und schön aussieht, ist in Wirklichkeit natürlich weitaus weniger fotogen. Aber sonst würden die Influencer und Kunstinteressierten dieser Welt das Projekt vermutlich nicht teilen…

„91% of plastic isn’t recycled. Just because something is put into the recycling bin, doesn’t mean that it’s getting recycled. The best solution, when possible, is to become plastikophobic – or simply to avoid using plastics when possible.“

Alle weiteren Information zum Projekt gibt es unter Plastikophobia.com zu sehen. Abschließend noch ein Making of-Video, das die Entstehung der Installation im Zeitraffer zeigt:

via: bewaremag

In seiner Reihe „Found Objects“ stellt der irische Künstler Matt Calderwood alltägliche Gegenstände dar, die er gekonnt ausbalanciert hat. Aus Schaufeln, Sportbällen, Weingläsern oder auch Leitern erschafft er visuelle Kunstwerke in Form von wackelig erscheinenden Installationen. Frei nach dem Motto:

„In art, as in life, not everything unbalanced is unbeautiful.“

Weitere kreative Arbeiten Calderwoods finden sich auf seiner Website wieder.

via: ignant

2014 hatte ich zum letzten Mal etwas zum tollen Amsterdam Light Festival hier. Seit 29. November steigt die siebte Ausgabe der kreativen Neu-Tradition und bis 20. Januar könnt ihr insgesamt 30 über die Stadt verteilte Licht-Installation bewundern. So macht die Grachtenstadt nachts gleich nochmal mehr her. Aber die Kunstwerke sehen nicht immer einfach „nur“ schön aus, sie haben auch die ein oder andere Botschaft parat, wie z.B. das Stück “Absorbed by Light” von Gali May Lucas, das hier als nächstes bildlich folgt und sich der modernen Smartphone-Sucht annimmt.

„The 53-day exhibition revolves around the theme ‘The Medium is the Message’, the famous statement by the Canadian scientist Marshall McLuhan. The role of light in conveying a message and the city of Amsterdam as a medium for telling stories are central to this edition.“

Alle Kunstwerke sowie die Informationen zu Künstlern und Message gibt es in dieser Übersicht zu sehen.

via: thisiscolossal | Bilder © Janus van den Eijnden

Seit 2007 arbeiten die beiden in New York City lebenden Künstler Alex Schweder und Ward Shelley kollaborativ zusammen. Dabei erdenken sie auf originelle und verspielte Art den Wohnraum neu. Das ergibt interaktive und begehbare Installationen, die sie auch gerne mal für längere Zeit selbst bewohnen. Mir gefallen die Ansätze sehr, ob eine komplette „Wippenwohnung“ oder an Heftzwecken erinnernde Stufen, die eine komplette Wand besteigbar werden lassen. Gerne würde ich mal einen Spielplatz aus all deren Kreationen durchwandern und beklettern.

„ReActor is a habitable sculpture, where Schweder + Shelley will live in full view of Omi’s audience. The 44-foot by 8-foot structure rotates 360-degrees atop a 15-foot concrete column in response to its inhabitants‘ movements, exterior forces, and interior conditions, making visible the intimate relationship between architecture and its inhabitants.“

Weitere Projekte der beiden Künstler finden sich auf deren Websites: AlexSchweder.com und WardShelley.com. Hier könnt ihr noch zwei der Installationen in Aktion erleben:

via: theinspirationgrid

„Wie, schon wieder was wegen zu viel Plastikmüll im Meer? Weiß ich doch, ey, nervt nicht…!“ mögen manche von euch vielleicht denken. Aber so lange noch immer viel zu unbedacht Müll produziert und vor allem falsch entsorgt wird, muss man eben Zeichen setzen und so lange daran erinnern, bis wir aufhören, unsere Welt(meere) zu verschmutzen. Ein mit über elf Metern sehr großes Zeichen hat jüngst das Studio KCA im Rahmen der Triennale Brugge 2018 gesetzt. „Scyscraper (The Bruges Wahle)“ ist der offizielle Name dieses gigantischen Wales, der aus angemaltem Plastikmüll besteht und passend zum Veranstaltungsthema „Liquid City“ im flüssigen Bereich der Stadt installiert wurde. „Brügge sehen und sterben“ ist vielleicht ein toller Film, als Motto für die Tiere sollte es aber doch bitte nicht gelten müssen. Vielleicht hilft diese künstlerische Landmarke dabei, das nochmals tiefer zu verankern.

„We pulled 5 TONS of plastic out of the ocean to build a 4 story tall whale out of it, in order to call attention to the other 149,999,995 tons of plastic waste still swimming out there“

Die Triennale läuft noch bis Mitte September in Brügge. Weitere Informationen zum Projekt gibt es hier zu sehen. Zur Entstehung des Kunstprojektes gibt es einige Aufnahmen im folgenden Video zu sehen:

Wer mehr zur Situation und vor allem zum Schutz der Wale erfahren möchte, ist bei Organisationen wie zum Beispiel der Whale and Dolphin Conversation bestens aufgehoben. Natürlich belangt das Müllproblem nicht nur die Giganten der Meere, noch vielmehr sind Kleinstlebewesen betroffen, die zum Beispiel kleinste Plastikpartikel aufnehmen, die sich in Algen festgesetzt haben. Und letztlich ist dann auch irgendwann der Mensch dran, wenn das Natursystem um ihn herum kollabiert und es zu spät ist…

via: thisiscolossal | Bilder: Triënnale 2018; STUDIOKCA – ‘Skyscraper (the Bruges Whale)’

Eine Kunstinstallation der ganz beeindruckenden Sorte liefert Künstler Urs Fischer mit dem 2017er „Things“ ab. Ein lebensgroßes Rhinoceros wäre silber anlackiert bereits ein Hingucker, der Schweizer hat jedoch Magnet verbaut, die allerlei andere Aluminium-Gegenstände auf magische Weise daran haften lassen. Ob Toilette, Rasenmäher oder Autotür – alles wird angezogen und suggeriert beim Betrachter so eine hohe Kraft.

„‚Art‘ has always been a word for this thing that can’t be rationalized, when you see or hear something that you struggle to explain. But that’s its strength, of course.“ (Artist Statement)

Bis 23. Juni kann man sich die gigantische Installation noch in der New Yorker Gagosian Gallery anschauen. Muss beeindruckend wirken. Weitere Kunst von Urs Fischer gibt es auf seiner Website zu sehen.

via: thisiscolossal | URS FISCHER, “Things” (2017), Milled aluminum, steel, power magnets, two-component epoxy adhesive, 125 1/4 x 204 3/8 x 118 1/2 inches (318 x 519 x 301 cm), Edition 1 of 3 & 1 AP, © Urs Fischer. Photo: Stefan Altenburger. Courtesy of the artist and Gagosian.

Zuletzt im „Music Center“ in Los Angeles gibt es aktuell ein sehr schönes Lichtspektakel zu begutachten. Die Installation „Light Leaks“ beinhält fünfzig Discokugeln, die entsprechend angeleuchtet einen abgedunkelten Raum zum Meer voller Lichtpunkte werden lassen. Die Künstler Kyle McDonald und Jonas Jongejan haben aber nicht einfach eine hohe Anzahl an Kugeln hingeschmissen und einen Strahler draufgehalten, sondern Licht berechnend über Projektoren auf die Spiegelscheibchen werfen lassen, so dass gemusterte Reflektions-Anordnungen entstehen. Das muss ein sehr geniales Gefühl sein, in diesem Raum zu stehen.

„A scattered array of dozens of mirror balls reflect light from multiple projectors, filling a room completely with small reflections, casting patterns that fill the visitor’s peripheral vision. Creating a curious space that alternates between a meditative state, and an uneasy imbalance. An experiment in combining a found object with computer vision to create a profound and unusual experience.“

Hier kann man die Installation auch noch in Bewegtbild bestaunen:

via: thisiscolossal

Die Künstlerin CJ Hendry ist mittlerweile so etwas wie ein Dauergast hier im Blog. Seit 2013 habe ich immer wieder über ihre Arbeiten geschrieben, vor allem im Bezug auf ihre ultrarealistischen Großflächenzeichnungen. In ihrer neuen Reihe „Monochrome“ gibt es die zwar auch zu sehen (die Pantone-Bilder an den Wänden), Star der Motive sind aber die jeweils in einem Farbton gehaltenen Räume (die man aktuell noch für kurze Zeit in Brooklyn ansehen und begehen kann, solltet ihr zufällig da sein). Kunstinstallationen kann die Dame also auch noch wuppen, mal schauen, was in den nächsten Jahren noch so hier auftauchen wird.

Weitere Arbeiten Hendrys gibt es auf ihrer Website oder auch bei Instagram zu sehen.

via: ufunk

Bereits zwei Mal hatte ich die originellen Arbeiten von ICY AND SOT in den Kleinigkeiten gefeatured. Weil das Künstler-Duo aus dem Iran aber regelmäßig mit kreativen Kunst-Installationen und Skulpturen aufwartet, wird es mal Zeit für einen eigenen Blogbeitrag. Hier einige meiner persönlichen Highlights aus ihrem bisherigen Portfolio, das viele kreative Metallarbeiten sowie perspektivisch-visuelle Arbeiten bereithält, die nicht selten auch gesellschaftskritische Motive verfolgen.

„ICY (born 1985) and SOT (born 1991) are artists from Tabriz, Iran, currently residing in Brooklyn, New York., the two brothers started doing stencils in 2006, they have been contributed to Iranian and international urban art culture through their Murals , interventions, video and installations that depicting human rights, capitalism, ecological justice, social and political issues“ (Artist Statement)

Weitere Werke der beiden gibt es auf ihrer Website oder auch bei Instagram zu sehen.

via: booooooom

Schon kurios, erst vergangene Woche hatte ich euch die am Auge herumführende kreative Arbeit von Shinga vorgestellt, die wie gezeichnet aussieht, aber eigentlich „nur“ eine perfekt fotografisch in Szene gesetzte Bemalung von Modellen ist. Ganz ähnlich hält es Joshua Vides, der gar reale Gegenstände im Originalmaßstab einsetzt und auf „gezeichnet“ trimmt. Entsprechend passend hat der Künstler auch seine aktuelle Ausstellungsreihe betitelt: „Reality to Idea.“. Limitierte Sneaker, die handbemalt wurden oder auch ein ausgewachsener Sportwagen mit Konturschwärze – coole Sache!

Weitere Arbeiten aus der Reihe finden sich auf dem passenden Instagram-Profil. Aktuell gleiche Motive, aber eben auch viele weitere gibt es auf dem persönlichen Account Vides‘.

via: designcollector

Das New Yorker „Lincoln Center for the Performing Arts“ ist um eine Attraktion reicher. Oder besser: viele tausend Attraktionen. Denn lauter Luftballons sind farbenfroh in der Besucherhalle angebracht worden (und erinnern ein bisschen an Weintrauben). Unter dem Künstlernamen Geronimo hat Jihan Zencirli in Kooperation mit dem New York City Ballet und im Rahmen derer „Art Series“ diese Installation geschaffen. Wirklicher Star der Luftballon-zentrierten Kunstaktion ist für mich aber das skurrile Video, das unter der Leitung von Andy Bruntel dazu entstanden ist:

„NYC Ballet Art Series presents GERONIMO
Production Company: Ways & Means
Producer: Laure Salgon
DP: Matthew Chaung
Voice: Dolly Wells“

via: designcollector